Comme vous le savez, les légendes ne naissent pas. Ils deviennent et le plus souvent une personne acquiert ce « statut » après sa mort. Mais le designer britannique Alexander McQueen était destiné à devenir une légende de son vivant. Choc, démesure, art de créer quelque chose d'inconnu et de totalement incompréhensible, tels sont les mots les plus appropriés pour une brève description du créateur de mode et de ses collections. Vous pouvez avoir des attitudes différentes à l’égard des créations de McQueen, mais il est peu probable que vous restiez indifférent en les regardant.
Chacun de ses spectacles est une représentation théâtrale à part entière remplie de sens profond. Choquant n'est qu'un moyen d'attirer l'attention sur certains problèmes, d'exprimer votre attitude face à la vie avec luminosité, émotion et sans fioriture. Il est impossible de se familiariser en détail avec toutes ses collections dans le cadre d'un seul article. Examinons-en quelques-uns.
Jack l'Éventreur traque ses victimes - 1992
Le créateur a présenté la collection, dont le nom se traduit par « Jack l'Éventreur traque ses victimes », en 1992. C'était son premier spectacle de fin d'études.Dès le début, McQueen a réussi à choquer le public.
Il a ajouté de la laine et des cheveux à la doublure d'articles individuels et d'invitations à des événements.
Le créateur a placé des mèches de cheveux torsadées en anneau dans des sacs en plastique et les a placées à l'extérieur et à l'intérieur des vêtements. L’effet qui en résulta devint bientôt reconnaissable pour beaucoup. Lettre minuscule c à l'intérieur de la capitale Q le nom de la marque fait référence à ce détail petit mais significatif. Le créateur lui-même a expliqué cette démarche comme un hommage à la tradition adoptée à l'époque victorienne : offrir à sa bien-aimée une mèche de cheveux achetée à une prostituée. À l’époque, c’était considéré comme une expression d’amour et d’admiration.
Inspiré par la légende d'un tueur cruel et insaisissable qui a commis ses crimes à Londres de 1888 à 1891, le créateur a présenté une collection composée de dix looks. Beaucoup d’entre eux sont entrés dans l’histoire de la mode moderne.
Prenant comme base la silhouette typique de l'époque victorienne - un corset, un col ajusté et des manches étroites - il a ajouté ses propres éléments qui sont devenus plus tard reconnaissables. Il s'agit notamment d'une taille extrêmement basse et d'une coupe qui révèle la poitrine et le ventre.
L'exposition de la collection a eu lieu dans un bâtiment industriel abandonné. L'un des articles les plus reconnaissables était une veste allongée en soie rose. Son motif ressemblait à des branches épineuses.
C'est ainsi que le rédacteur en chef d'un des magazines de mode les plus populaires décrit le défilé : « Les couleurs de tous les vêtements étaient vives. La veste noire, ornée de cheveux et la doublure rouge sang visible de l'intérieur, ont attiré l'attention. Tout ensemble ressemblait beaucoup à un corps vivant, doté de chair et de sang. C’était un défi à la tradition, un tandem de beauté et de cruauté – l’incarnation de tout ce que représentaient les années 90. »
VOSS - printemps-été 2001
Lors de ce défilé, la partie centrale du podium était occupée par un cube en miroir. La salle elle-même était initialement sombre pendant que le public attendait le début du spectacle. La lumière s'est allumée... Mais les gens ont continué à regarder leur reflet pendant encore deux heures – rien ne s'est passé.
Enfin, le défilé de mode a commencé : le public a vu des modèles dans des looks inspirés des films d'Hitchcock et des photos choquantes de Joel-Peter Witkin. Les tenues comprennent des robes moelleuses ornées de plumes d'autruche, des costumes de bureau avec des vestes asymétriques et des décors insolites. Les mannequins portaient des bandeaux constitués de bandages ou de motifs complexes avec des oiseaux en peluche sur les épaules.
McQueen lui-même a observé leurs réactions sur le moniteur pendant les deux heures que les gens ont passées à attendre le spectacle devant le miroir. Le public détournait le regard pour ne pas voir son reflet. Cette partie du spectacle était l'idée du designer. L’idée principale est de « retourner l’industrie de la mode vers ces personnes ».
Peu avant la fin du spectacle, les lumières se sont éteintes sur le podium, mais se sont allumées dans le cube dont les parois ont soudainement commencé à s'effondrer et à se briser en morceaux. Puis le public a vu une femme nue portant un masque. Des papillons volaient au-dessus d'elle. C'était un sosie pour la photo du Sanitarium de Joel-Peter Witkin.
Les coiffes, qui étaient des parapluies et des cages à oiseaux, frappaient par leur taille énorme. Les looks utilitaires de la collection sont associés de manière originale à des vêtements entièrement confectionnés en plumes de canard.
Les objets exposés n'étaient pas pratiques et, bien sûr, absolument impropres à être portés, mais ils reflétaient pleinement l'idée principale du créateur - ses collections ne sont pas du commerce, mais de l'art.
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